Arte

O Corpo tem suas razões- Antiginástica e consciência de si.

2012-01-07T06:14:00.000-08:00

"[...] a imagem que pensamos projetar não é forçosamente a que o outro recebe. Entre nossa intenção e o efeito que realmente produzimos, há quase sempre uma distância. Na máscara imperfeita, o outro só vê nossa necessidade de usar máscara, necessidade de nos mostrarmos diferentes do que somos. Pensamos enganar, mas somos nós que vivemos enganados, acreditando que os outros nos vêem como desejaríamos ser vistos."

Thérèse Bertherat

Klauss Vianna

2011-11-17T07:29:00.000-08:00

"A essência do trabalho corporal que proponho é a busca da sintonia e da harmonia com nosso próprio corpo, o que possibilita chegar à elaboração de uma dança singular, original, diferenciada, e por isso mesmo rica em movimento e expressão. Para ser interprete de minhas emoções, tenho necessariamente que me despojar de uma imagem que me foi de alguma forma imposta para adotar a postura que corresponde à minha trajetória pessoal e à minha existência quotidiana. É o mesmo que apagar um quadro cheio de frases vazias que me foram ditadas, para dar início ao aprendizado de um novo alfabeto, de uma nova linguagem capaz de traduzir aquilo que verdadeiramente sinto e quero expressar."

(Klauss Vianna)

Casa de Boneca- O Filme

2011-11-05T07:01:00.000-07:00

Kandinsky

2011-10-23T06:46:00.000-07:00

(Courbe Dominante- Kandinsky)

"Não se deve, pois, abordar a arte com a razão e a inteligência, mas com a alma, com a existência vivida."

(Wassily Kandinsky)

Referência:

KANDINSKY, Wassily. Do Espiritual na Arte. 2. ed. São Paulo: Martins Fontes, 1996.

Eva Nil

2011-10-17T06:23:00.000-07:00

Revista carioca "Cinearte", editada por Gonzaga e pelo crítico Pedro Lima, principal referência sobre cinema no Brasil nos anos 20 .

Eva Nil, nasceu no Cairo em 25.06.1909. Era filha de Italianos, mas foi em Cataguases, Minas Gerais, que foi criada e desenvolveu seu talento.
Foi a estrela maior dos primeiros dois filmes produzidos pela Phebo Sul America Film em Cataguases. Os filmes são: "Valadião, o cratera" em 1925 (curta) e "Na primavera da Vida" de 1926 (longa). Ambos com direção de Humberto Mauro.

Cataguases MG

Mais informações: cataguasesarte.blogspot.com

Era filha de Pedro Comello que a fotografou em todos os seus trabalhos, o mesmo dirigiu o curta "Senhorita agora mesmo", em 1928, pela Atlas Film de Cataguazes, da qual era dono.

Seu último filme foi "Barro humano", em 1929, com direção de Adhemar Gonzaga, produzido no Rio de Janeiro pelo grupo de Cinearte.

Nenhum dos filmes citados acima existe mais e não foram mostrados comercialmente, as exibições foram "privês" mostradas em Cataguases e algumas cidades vizinhas. "Senhorita agora mesmo", teve sua estréia em 25 de janeiro de 1928 no Cine-theatro Recreio e chegou a ser exibido no Cine Glória do Rio de Janeiro, e nada mais que isso.

Ela abandonou o cinema para assumir o lugar do pai no estúdio de fotografia.

Adélia Prado

2011-10-15T14:42:00.000-07:00

“Minha mãe achava estudo a coisa mais fina do mundo. Não é. A coisa mais fina do mundo é o sentimento. Aquele dia de noite, o pai fazendo serão, ela falou comigo: ‘Coitado, até essa hora no serviço pesado’. Arrumou pão e café, deixou tacho no fogo com água quente. Não me falou em amor. Essa palavra de luxo.”

(Adélia Prado)

Augusto Boal

2011-10-13T07:37:00.000-07:00

"O nosso trabalho não pode nunca – por mais sucesso que tenha – se reduzir a transformar cidadãos comuns, capacitando-os para representação dentro de um teatro. Fazer isso é apenas dar uma especialidade a essas pessoas, que vão participar de um conjunto ao qual se dá o nome de atores, aos quais, por sua vez, dá-se o nome de elenco. Mas não queremos só transformar o cidadão em ator; queremos tornar pleno o ser humano, desenvolvê-lo. E a única maneira de fazê-lo perceber a realidade naquilo que ela tem de mais profunda é através da arte! Dostoievski dizia: “Só a beleza salvará o mundo”. Isso é verdade! Porque o artista é aquela pessoa que, ao ver o conjunto, não se satisfaz com ele. Sabendo-se único, ele busca a unicidades também."

(Augusto Boal)

Referência:

BOAL, Augusto. Augusto Boal. In: PEREIRA, Victor Hugo Adler; LIGIÉRO, Zeca; TELLES, Narciso. Teatro e dança como experiência comunitária. Rio de Janeiro:UERJ, 2009, p 173 à 185.

Pina Baush

2011-10-11T04:15:00.000-07:00

"Não me interessa a maneira como as pessoas se movem, mas o que as faz se mover"

(Pina Baush)

Marionetes

2011-10-09T06:43:00.000-07:00

Suas origens se dão, quando a devoção produzia santos para a veneração.
Existindo severas leis contrárias à representação de Cristo, da Virgem Maria e dos Santos por pessoas vivas.

A religiosidade popular, vestia essas imagens de acordo com a época em que viviam.
Na maioria das vezes, essas peças usavam as mais belas roupas da sociedade local, refletindo assim o esplendor da Igreja Medieval.
A necessidade de encenar os mistérios religiosos para a compreensão popular criou imagens que, chamadas de Marion (Maria, a Virgem), deram origem ao termo marionete.
Essas imagens são encontradas até nossos dias na Igreja Católica e são chamadas de imagens de roca.

Elas são chamadas de “Imagens de Roca”, pela semelhança com o fuso da roca de fiar. Antigamente também eram vestidas com tecidos fabricados nesse instrumento. Não se sabe exatamente quando surgiu essa associação das imagens de roca com a roca do tear. Mas alguns pesquisadores dizem que estas imagens são relacionadas com a forma do bojo da vara ou cana, em que se enrola a rama de linho, de algodão ou lã destinada a ser fiada no tear.

Apresentação da turma G de Teatro

2011-10-08T07:16:00.000-07:00

Circo Místico

2011-10-05T07:27:00.000-07:00

Jogos Teatrais

2011-10-01T07:03:00.000-07:00

Jogo do "Ponto"
Duas pessoas fazem uma cena e outras duas sopram palavras quando solicitadas.
http://www.youtube.com/watch?v=TCrpCfTFXK8

Jogo do "Troca"
Duas ou três pessoas fazem uma cena e uma terceira ordena a troca da frase aleatoriamente.
http://www.youtube.com/watch?v=Qa9WYGzMVDI

Jogo das "Perguntas"
Duas pessoas conversam só com perguntas.
http://www.youtube.com/watch?v=wcT1aT2lvD0

Processos de Formação sobre uma ótica da Pedagogia da Afetividade

2011-09-30T06:15:00.000-07:00

Artigo publicado no "V Colóquio internacional de educação"

RESUMO

O processo educacional deve acontecer pela via do afeto, onde a liberdade de criação e a pesquisa são seus principais fatores. Este trabalho teve como experiência prática uma apresentação de teatro, um processo que partiu de um modelo matemático de progressão geométrica, e teve como base a relação de afeto entre educador e educando, mostrando que o modelo é apenas um entre muitos e que o indivíduo pode descobrir o saber a partir de uma releitura de sua história e do contato com as histórias dos outros. Tendo um trabalhador de uma empresa de estruturas metálicas como objeto de pesquisa, o trabalho procurou proporcionar a libertação do indivíduo e uma criação coletiva.

Palavras-chave: Processo. Formação. Afeto. Imaginário criativo. Teatro.

RESUMEN

El proceso de la educación necesita suceder a través del afecto, donde la libertad de creación y la investigación son sus principales factores. Esto trabajo ha tenido como experiencia practica una presentación de teatro, un proceso que vino de un modelo matemático de progresión geométrica, y se basó en la relación del afecto entre el educador y el estudiante, demonstrando que el modelo es sólo uno entre muchos y que el individuo puede descubrir el conocimiento desde una reiterpretación de su historia y el contacto de otras. Se tomo um empleado de una empresa de estructuras metalicas como sujeto de investigación. El presente trabajo busca proporcionar la libertación del sujeto y una criación colectiva.

Palabras clave: Proceso. Formación. Afecto. Imaginación-creadora. Teatro.

Há um link na coluna ao lado para acessar o artigo completo.

Casa de Boneca

2011-09-28T05:05:00.000-07:00

Pedro Demo

2011-09-26T07:20:00.000-07:00

"É a noção do sujeito autônomo que se emancipa através de sua consciência crítica e da capacidade de fazer propostas próprias. Isso tudo tem por traz a idéia da reconstrução, mas também agrega todo o patrimônio de Paulo Freire e dá “politicidade”, porque nós estamos na educação formando o sujeito capaz de ter história própria, e não história copiada, reproduzida, na sombra dos outros, parasitária. Uma história que permita ao sujeito participar da sociedade."

(Pedro Demo)

Visite: www.educacional.com.br

Casa de Boneca- Cena do Bar

2011-09-25T07:05:00.000-07:00

"Os Saltimbancos" - Cia de Atores da Academia

2011-09-21T06:56:00.000-07:00

"Os Saltimbancos" - Cia de Atores da Academia

2011-09-20T05:55:00.000-07:00

A temporada de Saltimbancos está quase no fim, as últimas apresentações serão nos dias 24 e 25 de Setembro. Quem estiver em juiz de Fora, venha conferir. 18horas no Teatro Academia- Rua Halfeld.

V Colóquio Internacional "Educação e Contemporaneidade"

2011-09-17T07:38:00.000-07:00

5º Festival Nacional de Teatro de Juiz de Fora- Programação completa

2011-09-10T07:42:00.000-07:00

Dia 3 de setembro - sábado

- 14h30 • Seminário “Pensando Teatro” • Museu Ferroviário

- 18h • Espetáculo “Spirulina em Spathódea” • ccbm (convidado – Vencedor do 4º Festival

Nacional de Teatro – categoria Adulto)

- 20h • Espetáculo “Savana Glacial” • Cine-Theatro Central (convidado - Abertura oficial –

Vencedor do 23º Prêmio Shell, categoria melhor texto, no Rio de Janeiro)

Dia 4 de setembro - domingo

- 14h30 • Seminário “Pensando Teatro” • Museu Ferroviário

- 18h • Espetáculo “Uma História Oficial” • Espaço Diversão & Arte (Circuito Off/Lei Murilo

Mendes de Incentivo à Cultura)

- 18h • Espetáculo “Spirulina em Spathódea” • CCBM (convidado – Vencedor do 4º Festival

Nacional de Teatro – categoria Adulto)

- 20h • Espetáculo “Aqueles Dois” • Cine-Theatro Central (convidado)

Dia 5 de setembro – segunda-feira

- 19h • Espetáculo “Biliri e o Pote Vazio” • Pró-Música (convidado)

- 20h • Espetáculo “Uma História Oficial” • Diversão & Arte (Circuito Off/Lei Murilo Mendes de

Incentivo à Cultura)

Dia 6 de setembro – terça-feira

- 15h30 • Espetáculo “A Fabulosa Viagem de Duda e Lola em Busca da Irmã Perdida ou... Cadê

Kika?” • Teatro Academia (convidado – Vencedor do 4º Festival Nacional de Teatro – categoria

Infantil)

- 20h • Espetáculo “R & J de Shakespeare - Juventude Interrompida” • Pró-Música (convidado)

Dia 7 – Quarta-feira

- 11h • Espetáculo “Gran Circo Internazionale e a Saga dos Heróis Desconhecidos” • ccbm (Mostra

Competitiva – Infantil)

- 16h • Espetáculo “Alice” • Sest/Senat (Mostra Competitiva – Infantil)

- 19h • Espetáculo “Os Inadequados” • Teatro Academia (Mostra Competitiva – Adulto)

- 21h • Espetáculo “Arquivo Vivo” • Pró-Música (Mostra Competitiva – Adulto)

- 23h • Espetáculo “Coisas da Atriz” • Casa de Cultura (Circuito Off)

Dia 8 – Quinta-feira

- 11h • Espetáculo “O Menino e Árvore” • Museu Mariano Procópio (Mostra Competitiva –

Infantil)

- 16h • Espetáculo “Saltimbembe Mambembancos” • Parque Halfeld (Mostra Competitiva –

Infantil)

- 19h • Espetáculo “O Minto dos Labdácias: Antígona” • ccbm (Mostra Competitiva – Adulto)

- 20h • Espetáculo “Sgroft, Herética ou Ninguém” • Diversão & Arte (Circuito Off)

- 21h • Espetáculo “Dom Quixote - A Busca” • Teatro Academia (Mostra Competitiva – Adulto)

- 23h • Espetáculo “Coisas da Atriz” • Casa de Cultura (Circuito Off)

- 23h • Mostra de Curtas Performances • Espaço Mezcla

Dia 9 – Sexta-feira

- 16h • Espetáculo “No Reino de Calamaço” • Museu Mariano Procópio (Mostra Competitiva -Infantil)

- 19h • Espetáculo “O que Fazem as Meninas quando Desabrocham?” • ccbm (Mostra Competitiva

– Adulto)

- 20h • Espetáculo “Sgroft, Herética ou Ninguém” • Diversão & Arte (Circuito Off)

- 23h • Mostra de Curtas Performances • Espaço Mezcla

Dia 10 – Sábado

- 16h • Espetáculo “Circo de Quintal” • Teatro Academia (Mostra Competitiva – Infantil)

- 19h • Espetáculo “Sessenta Minutos para o Fim” • ccbm (Mostra Competitiva – Adulto)

- 20h • Espetáculo “Sgroft, Herética ou Ninguém” • Diversão & Arte (Circuito Off)

- 21h • Espetáculo “Babel de Messalinas” • Pró-Música (Mostra Competitiva – Adulto)

- 23h • Festa Anos 80 • Estação Cultural Estúdio de Danças Silvana Marques

- 23h • Mostra de Curtas Performances • Espaço Mezcla

Dia 11 - Domingo

- 16h • Espetáculo “A Bela e a Fera” • Cine-Theatro Central (Circuito Off)

- 19h • Cerimônia de premiação da Mostra Competitiva • ccbm

- 20h • Espetáculo “Till, a Saga de um Herói Torto” • Praça Antônio Carlos (convidado. Espetáculo

de Encerramento)

5º Festival de Teatro de Juiz de Fora

2011-09-01T15:20:00.000-07:00

A Peça vencedora do 4º Festival Nacional de Teatro "Spirulina em Spathódea" será reapresentada no dia 3 de setembro às 18hs.

Programação do festival:

http://www.zinecultural.com/agenda/teatro/5-festival-nacional-de-teatro-de-juiz-de-fora

Outros sites:

http://correiocidadao.com.br/juiz-de-fora/5%C2%BA-festival-nacional-de-teatro-de-juiz-de-fora-maior-mostra-de-artes-cenicas-da-regiao-comeca-neste-sabado

http://www.jfhoje.com.br/2011/08/22/5-festival-de-teatro-de-juiz-de-fora-apresenta-24-espetaculos-em-setembro

Casa de Boneca

2011-08-30T04:53:00.000-07:00

Muito mais que um filme,

Muito mais que uma história.

Casa de Boneca

2011-08-28T15:10:00.000-07:00

Cada instante é uma vida inteira.

Casa de Boneca

2011-08-26T04:57:00.000-07:00

Em cada cômodo, uma dor e uma esperança.

Circo Místico

2011-08-24T07:55:00.000-07:00

5º Festival de Teatro de Juiz de Fora

2011-08-22T07:48:00.000-07:00

Luz da Estrada Real

2011-08-20T05:02:00.000-07:00

Provisório Agosto- Cia. de Dança Academia

2011-08-18T07:23:00.000-07:00

Provisório Agosto- 20 e 21

2011-08-17T06:50:00.000-07:00

Cia. de Danca Academia apresenta:

Carolina Bueno, Isabela Rhodes, Israel Alves, Marciel Pires, Michele Nakahara, Milene Pimentel, Paula Delgado, Raphaela Dutra, Vitória Vargas.

Cia. de Dança Academia- Provisório Agosto

2011-08-16T06:35:00.001-07:00

O Quotidiano Reinterpretado.

Uma releitura que se deixa influenciar pelo teatro, Ballet Clássico e Rip Rop.

Cia de Dança Academia

2011-08-14T12:31:00.000-07:00

Contação de Histórias

2011-08-12T06:20:00.000-07:00

Educar é Contar Histórias- Claudio de Moura Castro

06/06/2009 - "Bons professores eletrizam seus alunos com narrativas interessantes ou curiosas, carregando nas costas as lições que querem ensinar."

Leiam este Artigo que foi publicado na Revista Veja ed. 2116

Clique Aqui: http://veja.abril.com.br/100609/p_030.shtml

Dicas para quem vai contar histórias:

Sim, aqui estão algumas dicas que podem ajudar na contação, mas, antes de tudo, deve estar a relação afetiva entre contador e ouvinte. Segundo Lewis Carrol, “Contar uma história é dar um presente de amor”, é se envolver com outra pessoa, imaginar outro mundo, novas paisagens e novas formas de existir. Por isso, antes de qualquer regra, deve estar a cumplicidade entre quem conta e quem ouve o conto, a ponto de se confundirem as posições desta relação.

1- É preciso que o ouvinte esteja confortável. O ambiente da contação deve ser agradável, aconchegante, as pessoas podem ficar assentadas, deitadas, da forma que acharem melhor.
2- Antes da história é interessante um primeiro contato, uma apresentação de si e do livro que se vai contar a história, ou até mesmo uma conversa sobre as histórias que serão contadas, ou o que gostariam de ouvir.
3- Não conte de forma decorada, estude a história, seja fiel a ela e conte com suas próprias palavras.
4- Tenha cuidado para não deixar os vícios de linguagem ou cacoetes atrapalharem a história: Ex.: “então”, “aí”, “né”, etc.
5- O momento da contação, não é um teatro. Os movimentos devem ajudar e não atrapalhar. Evite exageros para não esvaziar o texto.
6- Ao contar histórias olhe para o público, isto estabelecerá uma comunicação efetiva. Seja sincero e acredite no que está contando. Se você não gosta da história, não conte, substitua por outra.
7- Mudar a voz para fazer um som de objeto, animais e outros sons é enriquecedor.
8- Calcule as pausas, não prolongue demais nem de menos .
9- Se você for interrompido durante a narração, seja natural, aproveite o momento para enriquecer a relação entre contador e ouvinte. é importante que o ouvinte participe se desejar.
10- É muito enriquecedor quando terminada a história, o contador propõe uma interpretação, isto pode levar o ouvinte a questionar sua própria vida, você pode avaliar o impacto da história nas pessoas se ouvir o que elas têm a dizer. Mas não imponha neste momento uma lição de moral.

Uma história para cada idade:

Ao preparar uma história, é preciso tomar cuidado com alguns detalhes, estes detalhes podem seguir uma linha de perguntas e respostas:
1. Onde você quer contar as histórias?
2. Qual idade você quer atingir?
3. Que grupo de pessoas vão ouvi-las?
4. Qual o objetivo você quer atingir?
5. Que recursos vai usar?

É muito importante que possamos contar histórias para todas as idades, mas não podemos contar qualquer história para qualquer idade.
Cada fase da vida do ser humano tem carências e exigências específicas e é muito importante atingirmos a idade certa com a história certa.
Veremos um pouco sobre a diferença que há em cada fase da vida, mas isto não é uma receita. Cada ser humano tem seu tempo próprio e cabe ao educador-contador, ser sensível as necessidades do seu público.

Idade do Fascínio (3 a 4 anos): Textos curtos, atraentes, com gravuras grandes. Histórias com expressões repetidas e acumulativas, histórias de fadas, bichos, crianças, brinquedos, objetos.
Idade Realista (5 a 6 anos): Interesse por histórias da vida real, aspectos da vida do lar e família. Textos curtos com muita ação, histórias de bichos humanizados com enredo simples e repetitivo. É bom utilizar histórias com moral, que digam o que é bom e o que é mau, eles já diferenciam o mundo e o eu e procuram a verdade.
Idade Fantástica (7 a 9 anos): Histórias de personagens fantásticos, com poderes mágicos e histórias humorísticas.
Idade Heróica (10 a 12 anos): Textos de heróis, aventuras, narrativas de viagens, explorações e invenções, relatos históricos, lendas, fábulas, interesse pela experiência do homem e da ciência, preocupação com os outros e interesse pelo romance. Querem conhecer e fazer coisas que proporcionem relações humanas mais profundas. Ainda precisam dos “ídolos”.
Jovens e Adultos: Textos humorísticos, relatos históricos, causos, crônicas, contos de tradição popular, contos de autores nacionais e estrangeiros.

Leia: Viva e deixe viver (Histórias de quem conta histórias) de Maria Helena Gouveia. Editora Globo.

Cora Coralina

2011-08-10T01:22:00.000-07:00

“Morta... serei árvore, serei tronco, serei fronde e minhas raízes enlaçadas às pedras de meu berço são as cordas que brotam de uma lira.

Enfeitei de folhas verdes a pedra de meu túmulo num simbolismo de vida vegetal.

Não morre aquele que deixou na terra a melodia de seu cântico na música de seus versos.”

"Meu pai se foi com sua toga de juiz

Nem sei quem lha vestiu

Eu era tão pequena,mal nascida

Ninguém me predizia-vida.Nada lhe dei nas mãos

Nem um beijo,uma oração, um triste ai

Eu era tão pequena!...

E fiquei sempre pequenina na grandefalta que me fez meu pai.

www.casadecoracoralina.com.br

http://www.youtube.com/watch?v=WuKsLT4s18c

http://www.youtube.com/watch?v=RuPsJa8gWRU

Teatro Renascentista- (História)

2011-08-08T01:02:00.000-07:00

Renascimento: Movimento de renovação intelectual e artística que atinge seu apogeu no século XVI, influenciando várias regiões da Europa. Com origem no Humanismo, a noção de renascimento diz respeito à restauração dos valores do mundo clássico greco-romano. O ideal renascentista é marcado pela crença em uma capacidade ilimitada da criação humana. A invenção da imprensa contribuiu na disseminação das idéias. O espírito de inquietação estende-se à geografia e à cartografia, e o impulso de investigar o mundo leva às grandes navegações. O Descobrimento do Novo Mundo, proporcionou progressos técnicos e conceituais, além de questionamentos que abrem caminho para as reformas religiosas.

Personagens Importantes:

Em oposição aos preceitos clássicos nasceu a comédia renascentista denominada Commedia Dell’Arte que teve sua origem na Itália, caracterizou-se por utilizar essencialmente a linguagem do povo e representou a glória do Teatro Italiano no Renascimento.
A etimologia da palavra traduz-se em Teatro de Ofício. Nas peças não se usavam textos, mas roteiros e histórias. Aos atores caberia improvisar. Equipados com um simples cavalete, acoplado a uma carroça, para carregar as roupas e acessórios, iam parando em todas as cidades e muitas vezes eram disputados pelas cortes, alguns grupos ficaram muito ricos.
Abriu-se um caminho para a mais fascinante época da hegemonia do ator e do improviso. Isto fez com que as ações se tornassem muito vivas e verdadeiras.
Os gestos e as inflexões da voz casam-se sempre com o propósito do teatro. Os atores possuem total liberdade em cena. Dialogam e agem naturalmente, e essa naturalidade era imbuída de alta dose de verdade. Tal forma de teatro, exigia dos atores grande preparo físico.
Dessa forma exercitavam-se diariamente e, devido a isso, não encontramos atores muito velhos. Essa forma de teatro caracteriza-se pela movimentação intensa e pelo rompimento com a proposta clássica, elitista e literária.
Cada história repetia as mesmas personagens: Arlequim, Columbina, Pantaleão, Esmeraldina e outros que atendessem às exigências regionais.
Sua duração compreendeu meados do século XVI até meados do século XVIII e exerceu uma influência muito grande no mundo. Os atores dessa forma de teatro faziam parte de companhias itinerantes que viajavam pelo mundo.
Aspectos importantes:
•Precedentes;
•Argumentos;
•Personagens;
•Improvisação;
•Técnicas de Apresentação.
Por fim podemos considerar a Commedia Dell’Arte como um formidável surto de teatro popular que utilizou-se da linguagem coloquial do povo e ofereceu ao ator total liberdade de criação.

Casamento do Jeca

2011-08-04T17:35:00.000-07:00

Marcos Bavuso

2011-07-28T13:57:00.000-07:00

"Este mundo só é possível através do dia- a- dia de cada um que compõe este palco recheado de emoções, conquistas, erros, angústias e acertos, porque na vida é como um teatro e nem tudo sai conforme o esperado. Mas é preciso ter paixão naquilo que se acredita, e o público só acredita no que o artista acredita. Se ele acredita que tudo vai dar certo, mesmo antes de se abrirem as cortinas, o espetáculo já será um sucesso."

(Marcos Bavuso)

Visite e saiba mais sobre ele:

http://espelho.amac.org.br/2010/07/14/o-teatro-e-seu-poder-de-transformacao/

http://www.youtube.com/watch?v=_dODfX7v9aw

http://www.youtube.com/watch?v=CzclvSrc0KY

http://www.youtube.com/watch?v=2Y2b6a6IsfM&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=tmu5IasuAos&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=rRxBZ2C8tJQ&feature=related

V Colóquio Internacional "Educação e Contemporaneidade"

2011-07-18T07:41:00.000-07:00

http://www.educonufs.com.br/vcoloquio/

Vô Candinho, seus bonecos e Pedro Bandeira

2011-07-15T13:51:00.001-07:00

Figurino- Alice no País das Maravilhas- Wellington Carbogim

2011-05-09T18:30:00.000-07:00

Este é um presente de Wellington Carbogim para os professores de teatro que buscam uma inspiração para seus figurinos. Este figurino foi criado para a peça "Alice no país das maravilhas" que foi apresentada em Juiz de Fora no ano de 2010. Agora, Wellington me pede que divulgue para que todos possam ter acesso.

Retrospectiva da Pós na Faculdade Angel

2011-05-07T16:02:00.001-07:00

Aula em 2010

Aula com Angel em 2010.

Defesa das monografias em 2011.

Encerramento das aulas em 2011.

"Gente é como nuvem, sempre se transforma..."

Angel Vianna

Trupicada

2011-05-01T12:06:00.000-07:00

O Grupo Trupicada de Música Infantil foi formado em 2007, quando 8 profissionais (músicos, atores e arte-educadores, todos artistas de Juiz de Fora) – decidiram se reunir para promover espetáculos musicais voltados especialmente para as crianças, uma atividade pioneira na região. O objetivo principal é criar possibilidades em que as crianças possam perceber a música como uma divertida e poderosa forma de linguagem.

CONTATOS:

E-mail: falecomtrupicada@gmail.com

Performance da pós-graduação em Teatro e Dança na Educação

2011-04-04T17:04:00.000-07:00

Performance realizada na conclusão do curso de pós-graduação em Teatro e Dança na Educação pela Faculdade Angel Vianna em Juiz de Fora. Esta foi parte da minha prática de defesa de monografia.

Pós em Teatro e Dança na Educação

2011-03-24T09:36:00.000-07:00

Juiz de Fora 26 e 27 de Março 2011

MAMM- Museu de Arte Murilo Mendes

Visita de Pedro Bandeira

2010-09-21T09:47:00.001-07:00

Os dias 17 e 18 de Setembro foram muito especiais. Com o aniversário da Cia.de Atores da Academia, que fez 30 anos em 2010, tivemos a visita de Pedro Bandeira. Foi um momento de aprendizado e de muita diversão.

Ouvi-lo contar suas estórias é muito bom, mas o melhor é poder bater um papo com ele. Uma pessoa simples e cheia de sabedoria. Aprendi muita coisa.

É uma honra fazer parte da única peça de teatro escrita por ele, maior ainda por ter sido escrita especialmente pra nossa companhia. Estou torcendo para que lance o livro e faça possível o acesso de todos a esta estória tão gostosa do bonequeiro Vô Candinho.

Vô Candinho e seus Bonecos- Pedro Bandeira

2010-09-09T05:49:00.000-07:00

Olá pessoal! Vai começar a temporada de "Vô Candinho e Seus Bonecos", espetáculo infantil encenado pela Cia. de Atores Academia.

Desta vez teremos um convidado ilustre na platéia: o autor Pedro Bandeira, que irá assistir pela primeira vez à montagem do texto escrito especialmente para o grupo, que a estreou em 2000.

Em setembro de 2008, a montagem levou quatro troféus no "III Festival Nacional de Teatro de Juiz de Fora" (Melhor Espetáculo pelo Júri Popular, Melhor Figurino, Melhor Iluminação e Melhor Cenário). Agora a temporada faz parte da comemoração dos 30 anos da companhia. Companhia que estou desde 2005.

Vô Candinho e sua trupe de bonecos se encontram em dificuldades, até que Cara de Pau, o novo ator-boneco, fica pronto. Ele ensina os demais a cantar, melhorando o show e atraindo público – e a cobiça de Eurico Pitangueira. O vilão, com a ajuda de Cascudo, sequestra o velhinho e obriga os bonecos a obter mais dinheiro para ele. Os bonecos bolam um plano para salvar Vô Candinho, e contam com a ajuda de Cascudo para derrotarem Pitangueira.

4º Festival Nacional de Teatro de Juiz de Fora

2010-09-08T04:23:00.000-07:00

No dia 7 de Setembro, no Cine-Theatro Central, aconteceu o encerramento do 4º Festival Nacional de Teatro de Juiz de Fora. O mesmo local serviu para a abertura, com a peça "Simplesmente eu, Clarice Lispector" com Beth Goulart (Prêmio Shell de melhor atriz em 2009).

Ao todo foram 94 inscritos e 12 selecionados para concorrerem aos prêmios. O espetáculo vencedor foi, "Spirulina em Spathódea", com a atriz Silvia Leblon. Além de receber o prêmio de melhor espetáculo, "Spirulina em Spathódea", ganhou como melhor atriz, melhor trilha sonora e melhor direção. O encerramento contou com a participação do grupo Trampulim de Belo Horizonte, com "Manotas Musicais".

Na quarta edição, o festival teve a participação de peças dos estados da Bahia, Minas Gerais, Paraná, Rio de Janeiro e São Paulo.

"Spirulina em Spathódea": "Uma palhaça se mostra devagar. ela traz uma bagagem. Aos poucos revela seus segredos, seus brinquedos, seu mundo peculiar. Convida a platéia a participar desse mundo, incluindo-a na sua lógica pessoal. Mostra a que veio. Fala de morte, vida, morte-vida, desejos, ardis, superações. É funeral. É renascimento.

contato: nacompanhia@gmail.com

Estrada Real- Projeto Arte-Educação

2010-09-06T07:30:00.000-07:00

27, 28 e 29 de agosto de 2010.

Lella Ganimi, Marcos Bavuso, Mariana Soares, Cintia Brugiolo e eu.

Estrada Real- Caminho Novo- Minas Gerais- Brasil.

Foi uma alegria imensa fazer a produção cultural de um evento que acontece todos os anos e que reúne escolas de uma rede particular. A estrada real nos inspira, seus mistérios, seu tempo, suas histórias, os motivos pelos quais muitos passaram por ali, motivos de muitas viagens...

Eu e meus amigos fizemos algumas intervenções artísticas e aplicamos duas oficinas: Danças Circulares e Teatro. Mas, acredito que nada foi mais fantástico do que ir para as margens da estrada e receber os que ali passavam.

Já que tudo era uma grande viagem, assumimos isto para o nosso trabalho cênico. O tema estava claro, a vida é assim, encontros, despedidas, sair de um lugar, muitas vezes cômodo, para se tornar melhor.

Trabalhar com adolescentes é um desafio que engrandece, sua sinceridade é maravilhosa. Nestes três dias aprendemos muito sobre este tipo de público e tivemos a oportunidade de fazer a nossa arte.

Cada personagem foi construído a partir dos seus afetos e experiências. O retorno foi maravilhoso! Uma "louca", um "palhaço" e uma "cega"... Depois de muito trabalho, estavam prontos aqueles que se tornariam os companheiros da grande viagem da vida. Não terminamos, só a morte termina. Ou não.

Mais fotos:http://www.academia.com.br/node/9177?page=6

Santa Padroeira das Atrizes

2010-08-06T18:56:00.000-07:00

Pelágia vivia em Antioquia na segunda metade do século V. Era dançarina e segundo alguns textos religiosos era prostituta mais conhecida da cidade, tinha uma grande fortuna e era muito vaidosa. Possuía muitos escravos e servidores que a escoltavam quando passeava pela cidade. Teria se convertido por causa de uma visita do bispo Nonnus a Antioquia. Primeiro se encontraram na rua e durante uma procissão e o bispo teria afirmado que os cristãos deveriam ter o mesmo cuidado com a igreja como Pelágia tinha com sua beleza. Logo depois passou a freqüentar as celebrações religiosas e converteu-se ao cristianismo. Pelágia redigiu uma carta ao Bispo, pedindo sua aceitação. Nonnus respondeu aceitando sua conversão e pedindo que ela se apresentasse à Igreja como convertida. Foi confiada a uma monja romana e distribuiu seus bens aos pobres, juntando-se aos escravos. Logo depois, trocou seus vestidos femininos por rudes vestimentas masculinas e partiu em segredo para a Palestina, onde permaneceu muitos anos fechada em uma pequena cela. Todos acreditavam que ela era um homem. Conhecida como "o monge sem barba", seu sexo não foi descoberto a não ser após sua morte. Contam que quando os soldados chegaram para prende-la, sentiu que seria estuprada ao descobrirem seu sexo e pediu para trocar suas roupas. Foi para cima com esse pretexto e de lá saltou para fugir, mas calculou mal a queda e acabou morrendo.
Sua festa é celebrada nos dias 8 de outubro ou 9 de junho.

Contação de Histórias- Por que contar histórias?

2010-06-22T11:20:00.000-07:00

As histórias nos ajudam perceber nosso espaço. Através delas, descobrimos quem somos, pois elas nos mostram como é nossa sociedade, como ela pensa, o que nos oferece, o que espera de nós. Elas nos ajudam criar nossa identidade, percebemos de onde viemos, quem são nossos antepassados, o que eles acreditavam.
Elas nos mostram possibilidades de mudanças, apresentam os heróis, os contestadores, nos fazem perceber que podemos ser diferentes. Coloca-nos na sociedade sem nos enrijecer. Mostram-nos as raízes e apontam para o sol. Através das histórias, percebemos quem somos e refletimos se queremos continuar sendo.
Segundo o escritor e jornalista Inácio de Loyola Brandão, “uma das mais famosas contadoras de história do mundo e da literatura chama-se Sherazade. Durante mil e uma noites ela inventou histórias sem fim, prendendo a atenção do sultão que mandava matar suas mulheres após a primeira noite de casamento. Sherazade lutou bravamente contra a morte, conseguindo impedi-la por meio de relatos fantásticos, cada um mais fascinante que o outro”. Assim como ela, muitas pessoas descobriram a força revigoradora que a história possui. Uma força que é capaz de unir pessoas, curar males e revitalizar corpos.

Contação de História- Contador Tradicional e Contador Contemporâneo

2010-06-20T19:01:00.000-07:00

Há muito tempo atrás, existiam pessoas que não sabiam escrever, não porque não podiam ir à escola, mas porque não tinham inventado as letras que ajudam a gente quando precisamos formar uma palavra. Tempos depois, apareceram algumas pessoas que resolveram inventar as letras, mas nem todo mundo se importava com elas, e mesmo quem se importava, não as usava muito para se comunicar. Os homens antigos das cavernas desenhavam nas paredes, os profetas e os curandeiros falavam de bichos e lugares desconhecidos, os sábios diziam coisas sobre um monte de deuses que moravam numa montanha, os mais velhos contavam para seus filhos e netos o que tinha acontecido com eles. O resgate da arte de contar histórias vem para formar novos leitores, valorizando uma literatura de qualidade. Hoje, todos sabemos que contar histórias é um ato humano importante para sua existência. O cinema, as propagandas, as novelas, a internet, as músicas, todos contam histórias. Ouvimos histórias o tempo todo, fazemos parte de uma cultura de contadores de histórias, mas é importante não deixar que elas sejam contadas apenas pela mídia, mas que sejam contadas com o calor do corpo presente, com olhos nos olhos, com a participação do ouvinte. O teatro conta histórias de forma presente, faz o público viver naquele momento a cena que se passa no palco, na arena ou onde se propõe realizar, mas a contação de histórias pode ir além, o público pode contar junto, participar, deixar de ser apenas plateia e se transformar em parte do conto.

Santo Padroeiro dos Atores

2010-02-28T06:47:00.000-08:00

São Genésio morreu por volta do ano 250, durante uma perseguição desencadeada pelo Imperador Deocleciano. Sua morte inspirou Henri Ghéon, teatrólogo belga a escrever a peça chamada “O Comediante e a Graça”, baseada na conversão de São Genésio e o martírio que a sucedeu. Genésio era um romano com vocação teatral e deveria participar de um espetáculo onde seria feita uma paródia irreverente do batismo cristão, o que levou-o a insinuar-se no meio dos cristãos para estudar o seu comportamento e viver o papel com mais autenticidade. No fundo, queria fazer o seu “laboratório”, para brilhar em cena, mas acabou vítima do zelo artístico. O convívio com os cristãos impressionou-o de tal maneira que, em meio ao espetáculo, sentindo-se tocado, improvisou e proclamou-se um cristão de verdade, negando-se a interpretar comicamente o ritual do batismo para divertir a platéia imperial. Deocleciano, em cuja homenagem se realizava a encenação, enfureceu-se, ordenando que Genésio fosse batizado ali mesmo, mas com o próprio sangue, após ser morto em pleno espetáculo. Daí o sub-título dado por Ghéon à sua peça: “O Comediante Possuído pelo seu Papel”. E daí a escolha do mártir-ator Genésio para padroeiro da classe teatral. Dia celebrado: 25 de Agosto.

Oficina de Teatro- Argirita MG

2009-12-07T12:09:00.000-08:00

Escola Estadual Professor Luiz Antônio Pires de Souza.
Foi maravilhoso conhecê-los. Vocês são ótimos.

Grande abraço.

Endereço do blog do colégio:

http://portal.educacao.mg.gov.br/peasjuventude/JC.LEO.EEPLAPS.305316/

Dia das Bruxas

2009-11-01T12:30:00.000-08:00

Ecos do Além:

(Repertório de poemas e músicas relacionadas a morte)

1- O Pulso (Arnaldo Antunes / Marcelo Fromer / Tony Bellotto)

2- Mistérios da meia noite (Zé Ramalho)

3- Chatertton (Serge Gainsbourg)

4- Romance das caveiras (Alvarenga / Ranchinho / Flavio Salles)

5- Rock das Caveiras (Bia Bedran)

6- O Drama de Angélica (Alvarenga e M. G. Barreto)

7- Amor Perfeito (Amado Batista)

Poemas de Augusto dos Anjos:

O Morcego:
Meia-noite. Ao meu quarto me recolho.
Meu Deus! E este morcego!E, agora, vede:
Na bruta ardência orgânica da sede,
Morde-me a goela ígneo e escaldante molho...
...A Consciência Humana é este morcego!
Por mais que a gente faça, à noite, ele entra
Imperceptivelmente em nosso quarto!

Caixão Fantástico:
Célere ia o caixão, e, nele, inclusas,

Cinzas, caixas cranianas, cartilagens

Oriundas, como os sonhos dos selvagens,

De aberratórias abstrações abstrusas!

Nesse caixão iam, talvez as Musas,

Talvez meu Pai! Hoffmânnicas visagens

Enchiam meu encéfalo de imagens

As mais contraditórias e confusas!

A energia monística do Mundo,

À meia-noite, penetrava fundo

No meu fenomenal cérebro cheio...

Era tarde! Fazia multo frio.

Na rua apenas o caixão sombrio

Ia continuando o seu passeio!

Versos a um coveiro:
Numerar sepulturas e carneiros,

Reduzir carnes podres a algarismos,

Tal é, sem complicados silogismos,

A aritmética hedionda dos coveiros!...

...Tíbias, cérebros, crânios, rádios e úmeros,

Porque, infinita como os próprios números

A tua conta não acaba mais!

Asa de corvo:
Asa de corvos carniceiros, asa

De mau agouro que, nos doze meses,

Cobre às vezes o espaço e cobre às vezes

O telhado de nossa própria casa...

...É ainda com essa asa extraordinária

Que a Morte - a costureira funerária -

Cose para o homem a última camisa!

Idealismo:

Falas de amor, e eu ouço tudo e calo!

O amor da Humanidade é uma mentira.

É. E é por isto que na minha lira

De amores fúteis poucas vezes falo...

...E haja só amizade verdadeira

Duma caveira para outra caveira,

Do meu sepulcro para o teu sepulcro?!

Apresentação da música "Drama de Angélica"
http://www.youtube.com/watch?v=d84BUfb6gB4

Outras apresentações da Cia. Estação Palco

Augusto dos Anjos- O Poeta da Carnificina

2009-10-31T09:55:00.000-07:00

Augusto de Carvalho Rodrigues dos Anjos nasceu na cidade de Sapé, na Paraíba, em 20 de abril de 1884. Compôs os primeiros versos aos 7 anos de idade. Em 1909, formou-se em Direito pela Faculdade de Direito do Recife. Casou-se com Ester Fialho em 1910. Transfere-se para o Rio de Janeiro onde se dedica ao magistério, lecionando em vários estabelecimentos de ensino. Faleceu em 12 de novembro de 1914, às 4 horas da madrugada, contando 30 anos de idade, em Leopoldina, Minas Gerais, onde era diretor de um grupo escolar. A causa de sua morte foi a pneumonia. Foi identificado muitas vezes como simbolista ou parnasiano. Mas muitos críticos, como o poeta Ferreira Gullar, concordam em situá-lo como pré-moderno. É conhecido como um dos poetas mais críticos do seu tempo, e até hoje sua obra é admirada tanto por leigos como por críticos literários.

Túmulo de Augusto dos Anjos em Leopoldina MG.

Teatro Renascentista Parte II (Teatro Elizabetano)

2009-10-28T11:50:00.000-07:00

No decorrer dos séculos XIV e XV o comércio começou a florescer no mundo todo. Todos os reis, inclusive Henrique VIII (rei da Inglaterra), iniciaram uma política de intenso apoio ao crescimento do comércio. Entretanto Henrique VIII, nessa mesma época, rivalizou-se com a Igreja Católica no intuito de criar o Anglicanismo em seu país. Essa briga religiosa rendeu guerras durante algum tempo. Assim podemos presenciar, nessa época, um atraso cultural da Inglaterra, visto que, enquanto preocupou-se com guerras religiosas, o resto da Europa desenvolveu-se muito culturalmente.
No século XVI assume o trono a Rainha Elizabeth I (1558- 1603) que começou a ajustar e apoiar significativamente a cultura inglesa e, principalmente, a produção teatral. Dessa forma o teatro começou a crescer e a tornar-se cada vez mais popular. As companhias aumentaram em número e importância, e a maioria delas passou a ter formação estável. Essa situação foi favorecida por uma ordenança real, segundo a qual só poderiam fazer turnês pelo interior as companhias que gozassem da proteção de um nobre. Contando com patronos e protetores nos círculos da corte e da nobreza, atores e dramaturgos já podiam apresentar-se diariamente salvos dos ataques dos puritanos. Interpretavam para uma platéia bastante heterogênea, embora as classes superiores constituíssem a grande maioria. Várias eram as companhias que possuíam essa proteção de um monarca: “Homens do Conde Pembroke”, “Cômicos do Conde Leicester”. A companhia que Shaskespeare atuava não só como ator, mas também como escritor era “Homens do Conde de Pembroke” que estava sob o patrocínio de James de Burbage, e que posteriormente ficou sob a guarda de Henry Carey, Lord Chambelan, primo da rainha. Com tão importante apoio, a posição dos atores junto à corte, que já era boa, melhorou ainda mais. Com freqüência eles passaram a atuar até mesmo para a própria Rainha Elizabeth. Esta gostava muito da companhia e, em especial, de “Penas de Amor Perdidas”, uma peça em que Shakespeare narrava uma elegante história de amor. O acesso à corte permitia ao jovem dramaturgo a observação do mundo dos nobres e políticos, pelo qual sempre possuiu interesse. Certamente isso o ajudou muito nas obras em que abordava esse tema. A grande maioria das obras de Shakespeare foi produzida no período em que a Inglaterra, governada durante 45 anos pela Rainha Elizabeth I, consolidou sua posição de grande potência econômica e política. O reflexo do desenvolvimento atingiu as esferas culturais, possibilitando o surgimento dos “talentos universitários” – entre os quais Cristopher Marlowe – antecessor de Shakespeare e Bem Jonson.

Precursores e contemporâneos de Shakespeare:
•John Lyly (1554- 1606): Autor de Pastorais (Bucolismo)
•Cristopher Marlowe (1564- 1593): Autor de peças trágicas
•Thomas Kid (1558- 1594): Grande influência sobre Shakespeare
•Ben Jonson (1572- 1637): Grande amigo de Shakespeare
•Robert Greene (1560- 1592)

Willian Shakespeare
Dramaturgo e poeta inglês (23/04/1564- 23/04/1616). Destaca-se entre os mais importantes da história do teatro. Nasce em Stratford-upon-Avon, onde faz os primeiros estudos. Pouco se sabe a respeito de sua vida até 1591, ano em que se muda para Londres. Entre 1590 e 1594 redige a primeira peça, A Comédia dos Erros. Ainda nessa época escreve 154 sonetos, considerados até hoje os mais belos e mais importantes da língua inglesa. De acordo com os historiadores, conquista sucesso e fortuna com o teatro. Em 1594 é membro da companhia teatral de Lord Chamberlain, que representa na melhor sala de espetáculos de Londres. Marca com sua obra o teatro elisabetano, e suas peças, tragédias, comédias e dramas históricos, influenciam toda a produção posterior a ele. Entre suas tragédias mais importantes destacam-se Romeu e Julieta, Macbeth, Hamlet, O Rei Lear e Otelo. Algumas das comédias mais encenadas são O Mercador de Veneza, A Megera Domada e Sonho de uma Noite de Verão. Em 1609 publica uma série de sonetos, dedicados a um rapaz e a uma senhora não identificados. Por volta de 1610, retorna à cidade natal, onde escreve sua última peça, A Tempestade, em 1613.

23/04/1564- Nasce em Stratford- on- Avon
Nov./ 1582- Casa-se com Anne Hathaway
1592- Dramaturgo
1594- Ator
1597- Adquire uma vida financeira extremamente confortável e compra casas e terrenos em Stratford
1603- Sócio do Globe Theatre, em Londres. (Era um hotel que possuía um teatro, mas não era um local muito apropriado para produções teatrais.)
23/04/1616- Morre em Stratford- on- Avon
Willian Shakespeare escreveu cerca de 154 sonetos dos mais belos de toda a Literatura Inglesa. Escreveu também cerca de 37 peças teatrais.

Características das peças de Shakespeare
•Ausência de unidade de tempo e lugar no sentido clássico;
•Enredo principal e sub-enredos;
•Distinção não rígida de gêneros (Emtragédias possuem cenas de comédia ou vice- versa,...);
•Variação da quantidade de personagens (Ex: Em uma peça existem 12 personagens, já em outra existem 50);
•Gêneros mais utilizados: Tragédias, comédias, dramas históricos e pastorais;
•Versos brancos, rimados e prosa.2

Características do Autor
•Valorização muito grande do intelecto e da cultura, do “eu”. Sentimentos humanos e universais;
•Não questionamento de problemas políticos, sociais de uma determinada época. Justamente devido a isso sua obra nunca envelhece;
•Captura de todas as características do Renascimento;
•Reflete muito em suas peças o nacionalismo;
•Peças sem posicionamento político;
•Criação de personagens questionadores (Resgate ao Renascimento);
•Critica à injustiça, violência e ao erro, mas sempre entre os indivíduos, nunca entre classes sociais, políticas, etc. Trabalho muito grande do individualismo e inexistência de trabalho acerca da coletividade;
•Presença da HYBRIS ( a maioria dos personagens de Shakespeare apresentam a característica do orgulho: Romeu, Hamlet, Rei Lear,...)
•Seus personagens possuem o destino em suas mãos. As ações são dos próprios personagens; todos eles possuem livre- arbítrio;

As Bruxas de Salém - Preparação

2009-04-29T11:00:00.000-07:00

A atriz Carolina Tagliati (linda) em preparação musical para a peça. Foto de Cintia Brugiolo.

Preparação musical para a Peça.

"Certa vez, um fotógrafo perguntou-me se eu estaria disposta a posar para uma foto ao lado do túmulo do Juiz Hathorne, um dos magistrados que perseguiu Bruxas em Salem nas cidades vizinhas no século XVII. Eu concordei e agora, sempre que olho para a foto, digo ao Juiz Hathorne e seu bando: "Nós sobrevivemos. Ainda estamos aqui."

Autora: Laurie Cabot (uma bruxa de Salem)Trecho retirado do livro 'O Poder da Bruxa'

As Bruxas de Salém

2009-04-09T07:44:00.000-07:00

Oi. Estamos nos preparando para "As Bruxas de Salém".
Peça de Arthur Miller que virou filme e agora é uma aventura do grupo "Estação Palco" com direção de Rodrigo Portela.
Deixo você na responsabilidade do Pastor Samuel Perris, ele é quem o apresentará Salém. Até breve.

Ronan Lobo.

Seja bem vindo a Salém!

Sou o Pastor Perris, responsável por Salém.

Sou pai de Betinha.

Ela é uma menina brilhante. Está fazendo um trabalho de Deus nos ajudando descobrir as marcas do demônio em seus seguidores e assim limpando Salém de todo mal.

É! Meu caro visitante! Salém está se curando. Antes era um lugar doente, marcado pela obra maligna que a afundaria para as chamas do inferno. Agora podemos ver esperanças, pois várias bruxas já tombaram levando consigo o fogo da danação.

Graças a minha Betinha e outras santas meninas que colocam suas vidas a serviço de Deus, estamos vencendo. Cada dia vivido dentro do tribunal é uma glória, entendemos os riscos de sermos atacados pelo mal a qualquer hora, mas estamos certos de que venceremos esta guerra. Estou como um lobo atento a caça. Vamos limpar Salém!
Temos que mostrar ao demônio que quem manda em salém é o poder de Deus. Esses servidores, bruxas e bruxos saberão que a força maior é a força de Deus. Eu sou o pastor e não deixarei Salém afundar nas chamas do inferno!

Devido ao trabalho intenso, não poderei dar muita atenção a sua visita. Espero você mais tarde quando eu for cantar um salmo com os fiéis antes do enforcamento de Dona Marlene e de Venâncio cujas terras já confiscaram. Preciso buscar os castiçais de ouro que encomendei da capital antes de ir para o tribunal e estou um pouco atrasado.

Que Deus tenha piedade de Salém!

Oi amigos. Espero que não tenham se assustado. Ele é assim mesmo, obcecado, mas no fundo é pura insegurança e medo de perder seu posto como autoridade maior de Salém.
Por enquanto fico por aqui. Espero vocês em Agosto para vermos juntos a atuação acusadora do pastor Perris nos tribunais de Salém.

Teatro Medieval

2008-10-14T07:36:00.000-07:00

Teatro Medieval

A Arte Medieval:

Durante a Idade Média, entre os séculos V e XV, a Igreja Católica exerce forte controle sobre a produção científica e cultural.

Temas importantes da Era Medieval: Feudalismo; Cruzadas; Inquisição; Peste Negra.
Essa ligação da cultura medieval com o catolicismo faz com que os temas religiosos predominem nas artes plásticas, na literatura, na música e no teatro.
Em todas as áreas, muitas obras são anônimas ou coletivas.
Neste período o teatro sofreu perseguições.
A Igreja não via com bons olhos a concorrência que os espetáculos, jogos e diversões de toda espécie faziam às festividades religiosas.
As atrizes passaram a ser equiparadas às prostitutas... Os “histriões” (comediantes, atores) não podiam receber a comunhão e os padres e leigos estavam proibidos de assistir peças teatrais sob pena de excomunhão (expulsão da Igreja).
A atividade teatral se reduziu a brincadeiras (saltimbancos) na praça e nas feiras, para diversão do povo. Mas foi a própria Igreja quem veio a reconhecer a validade do teatro, usando-o para sua pregação. Assim, surgiram pequenas peças chamadas de “mistérios”, representadas nas portas
das Igrejas, lembrando as principais passagens do Evangelho.
Lembrança disso são as representações da paixão, que perduram até nossos dias.
Apesar de o teatro escrito no modelo greco-romano ser proibido pela Igreja Católica, a manifestação teatral sobrevive no início do período medieval com as companhias itinerantes de acrobatas, jograis e menestréis.
A partir do século X, a Igreja adapta-o à pregação católica e às cerimônias religiosas.
Espaço cênico medieval - O interior das igrejas era usado inicialmente como teatro. Quando as peças tornaram-se mais elaboradas e exigiram mais espaço, passaram para a praça em frente à igreja. Palcos largos deram credibilidade aos cenários extremamente simples.
Uma porta simbolizava a cidade; uma pequena elevação, uma montanha; uma boca de dragão, à esquerda, indicava o inferno; e uma elevação, à direita, o paraíso. Surgiram grupos populares que improvisavam o palco em carroças e se deslocavam de uma praça a outra.
Dramas litúrgicos são encenados nas igrejas, depois se desenvolvem outras formas, como milagres, mistérios e moralidades. As encenações passam a ser ao ar livre por volta século XII e se estendem por vários dias.
O Martírio de Santa Apolônia

Aos poucos, os espectadores assumem papéis de atores, conferindo às apresentações um tom popular. Uma das primeiras obras independentes da liturgia é a francesa Le Jeau d’Adam (1170). Nessa época os textos, em geral, são anônimos.
No século XIII, na Espanha, surgem os autos, peças alegóricas que tratam de temas alegóricos, encenadas em palcos provisórios.
A proibição, pela Igreja, da mistura de temas religiosos com profanos provoca o aparecimento das comédias medievais, totalmente profanas.
Uma peça importante é a Farsa do Mestre Pierre Pathelim, do século XIV, que mostra advogados e juízes como trapalhões sem caráter.
Na França, a primeira sala permanente de teatro é aberta no início do século XV.
A primeira companhia profissional da Inglaterra é montada em 1493.

O teatro medieval (séc. IX ao XV) rompeu laços com a cultura Greco-Romana e pode ser classificado como religioso fundamentado no Cristianismo.A intenção do drama litúrgico foi a de mostrar Deus na vida cotidiana, fixando na memória dos fiéis a história sagrada e a vida de Cristo. A Religião, dessa forma, une-se ao Teatro. O objetivo da Igreja e, consequentemente dos padres, era o de salvar almas através do teatro e não o de trazer divertimento e prazer aos indivíduos. As representações eram feitas até mesmo por padres dentro das igrejas.

As peças contavam sempre passagens bíblicas ou referiam-se à festas religiosas como Natal, Presépio, entre outros. No objetivo de sempre promover a salvação das almas.
O afastamento dos padrões clássicos abriu ao teatro novas perspectivas e formas de encenar e interpretar.

Suas formas básicas são: Drama litúrgico, Mistério, Milagre, Moralidade, Laudas, Sotie, Farsa, Sermão Burlesco, entre outros.
Mistério: Episódios da bíblia, eram longos, duravam mais ou menos uma semana, e possuíam momentos de descanso para a platéia.

Milagre: Representação de uma história na qual ocorre um milagre no final.
Eram retratadas a vida dos santos.

Moralidade: Não possuía personagens individualizadas. Eram, na verdade, representações de entidades abstratas com uma lição de moral bem definida. Essa era uma forma de teatro que possuía uma estrutura sólida e, até mesmo, a mais próxima do teatro moderno.

Farsa: Representações que não possuíam nada de litúrgico. Justamente devido a isso eram chamadas de Farsas. Constituía-se na representação de um simples fato com o objetivo de instigar o riso e a crítica. Não possuíam unidade de tempo nem de ação, mas possuía, por menor que fosse, uma unidade filosófica (fundo religioso ou cristão).

A primeira fase desse teatro foi, portanto, puramente litúrgica. Todavia com o passar do tempo as pessoas começaram a sentir a necessidade de um teatro mais vivo e dinâmico.
Começaram então a existir representações que aconteciam independentes de festas religiosas ou cerimônias. No século XVI, a Igreja sentiu a necessidade de proibir os padres de se exibirem em espetáculos, além de proibir representações teatrais em santuários. Em algumas regiões, o Cristianismo passou a considerar o teatro como um inimigo pessoal.
Podemos afirmar que o Teatro Medieval não encontrou uma expressão bem definida, embora seu gênero principal fosse a moralidade. Foi um Teatro fraco e voltado para o fracasso.

Agradeço o auxílio de Marcelo Carvalho e Wellington Carbogim.

Teatro Romano

2008-10-10T14:04:00.000-07:00

A Família Romana:
A família romana estava sob absoluta autoridade do pai que tinha o papel de juiz de todas as questões domésticas, sacerdote do lar e único senhor do patrimônio familiar. Contudo a mulher romana era consultada sob diversos assuntos, podia sair em visitas e participar das diversões públicas. A matrona romana era um símbolo dos antigos costumes (mores maiorum).

Estrutura do Teatro Romano:

A Religião Romana:

Essencialmente politeísta, admitia divindades dos rios, dos bosques, do fogo...
O antropomorfismo, a princípio pouco desenvolvido, depois do contato com os gregos tornou-se cada vez mais acentuado.
Além das formas humanas atribuídas aos deuses, manifestou-se ainda o culto dos antepassados (lares). Durante as refeições era costume colocar um prato com alimentos diante das estátuas que eram guardadas em armários especiais.

A religião romana era contratual e formal. Contratual, porque as relações entre os deuses e os homens eram baseadas no interesse recíproco: o homem propiciava sacrifícios e recebia favores.
Formal, porque admitia a necessidade do mais escrupuloso cuidado com os gestos e palavras que compunham as cerimônias, sob pena de ineficácia.

As relações entre romanos e gregos ocasionaram uma completa identificação das divindades:
Júpiter confunde-se com Zeus,
Juno com Hera (protetora da família),
Marte com Ares (guerra),
Minerva com Atena (artes),
Diana com Ártemis (caça),
Baco com Dionísio (vinho),
Vênus com Afrodite (amor e beleza).

A Arte Romana:
Com a decadência da arte clássica grega, a arte romana emerge a partir do séc. II a.C.
De inspiração etrusca e helenística, aproxima-se mais da realidade que a arte desenvolvida pelos gregos. A arquitetura é o destaque.
Os romanos celebram a grandeza do império com a construção de monumentos e de edifícios públicos.
Paralelamente, desenvolve-se a pintura mural decorativa em cidades como Pompéia.

O Teatro:
Entre 27 a.C. e 476 d.C., a cena é dominada por exibições acrobáticas e jogos circenses. Também se escrevem tragédias, mas sem a mesma repercussão que na Grécia. Um nome que se destaca é Sêneca (4 a.C.? – 65), autor de “Fedra”. O gênero preferido pelos romanos é a comédia. Em linguagem coloquial e, as vezes, grosseira, ela retrata a euforia do Império em expansão.
De enredo mais elaborado que o da comédia grega, torna comum o final feliz. Um dos principais autores é Terêncio (195 a.C.? – 159 a.C.), que faz textos voltados para a aristocracia e marcados pela ironia. Outro grande dramaturgo é Plauto (254 a.C.? – 184 a.C.?). Os personagens estereotipados desses dois autores originam, mais tarde, os tipos da comédia Dell’Arte italiana.

Os Principais Gêneros Dramáticos:

Atelana (de Atella, cidade osca):
Simples farsa em um só ato, sempre apresentada com as mesmas personagens, muito presentes frases grosseiras e obscenas. Consistia em uma sátira que faziam às situações da região.

Mimos:
Sem personagens fixas e com temas geralmente tomados da vida urbana, nos quais se ridicularizavam fatos verídicos, mais ou menos recentes. Como na atellana, no mimo era usada uma linguagem rude e frequentemente imoral.

Pantomima:
Representação teatral através de mímicas.

Satura:
Mistura de canto, diálogo, pantomima e declamação de poesia.

Versos Vesceninos:
Versos constituídos a partir do diálogo.
Eram em sua maioria de caráter erótico e pornográfico e declarados a dois.

Ainda durante a república, a mímica e a pantomima tornaram-se as formas mais populares. Baseadas nas improvisações e agilidade física dos atores, ofereciam ampla oportunidade para a audaciosa apresentação de cenas imorais e pornográficas.

O desenvolvimento do teatro em Roma se deu por imitação do teatro grego.
Durante as guerras de 264-241 a,C., os romanos tiveram contato com o teatro grego através das colônias espalhadas na Itália.
Os romanos acrescentam a tragédia e a comédia às suas lutas de gladiadores.
Havia então grandes festivais onde se reuniam lutadores, dançarinos e “atores”.

Uma insipiente tradição teatral, de influência etrusca, já existia na península itálica.
O Teatro Romano era inteiramente calcado na tradição grega.
Seu declínio que causou um vácuo de quatro séculos na produção teatral, parece ter sido mais significativo para a história da cultura ocidental do que sua própria existência .

O primeiro autor teatral Romano a produzir uma obra de qualidade, que estreou em 235 a.C., foi Cneu Névius.

O teatro Histórico foi a primeira criação original deste autor, que incorporou às suas peças, mordazes e francas, críticas a aristocracia romana.

Por isso Cneu Nevius, foi preso ou exilado.

Talvez em vista destas circunstâncias, Quintus Enius, sucessor de Cneu Nevius, tenha adaptado seu talento às exigências do momento e se dedicado às traduções das tragédias gregas. No ano de 240 a.C., foi apresentada a primeira peça traduzida do grego durante os jogos romanos

A Tragédia Romana, em sua maioria, refletiu os ideais propostos pela tragédia grega: mesma estrutura e mesmo assunto. Somente Lucius Annaeus Sêneca fugiu a essa regra.

Durante o período imperial, surgiram as tragédias para pequenos recintos privados ou somente declamações sem encenação. São desse tipo as obras de Sêneca, Filósofo e conselheiro de Nero. Isto influenciou o Renascimento principalmente na Inglaterra.

Primeiros grandes poetas trágicos Romanos:

Lívio Andrônico; Névio; Pacúvio; Ênio; Ácio.

Séneca:

Inovou por ter deixado com que a profunda reflexão e os horrores físicos substituíssem a poesia e a tragicidade grega.
Construiu um tipo de tragédia que se consolidou também como cruel, isso devido ao seu espírito romano de guerreiro e ímpeto. Não possuía o escrúpulo que os gregos tinham. Mostrava a violência real ao público como vômito, mortes e outros.
A grande influência que herdou dos gregos foi a linguagem erudita e metafórica. Suas peças possuíam um alto teor de reflexão filosófica. Influenciou Shakespeare no aspecto filosófico, e Antonin Artaud no aspecto da crueldade.

Suas peças: Medéia, Tiestes, Édipo, Agamênon, Hércules Furioso, entre outros.

A Morte de Sêneca:

A verdadeira comédia latina surgiu apenas no final do séc.II a. C.
As representações teatrais eram parte do entretenimento gratuito oferecido nos festivais públicos.
Desde o início, no entanto, o teatro romano dependeu do gosto popular, de uma forma que nunca havia ocorrido na Grécia. Caso uma peça não agradasse ao público, o promotor do festival era obrigado a devolver parte do subsídio que recebera. Por isso, mesmo durante a república, havia certa ansiedade em oferecer à platéia algo que a agradasse.
O que logo se comprovou ser o sensacional, o espetacular, e o grosseiro.

Os imperadores romanos fizeram um uso cínico desse fato, promovendo “pão e circo”, segundo a famosa frase do satirista Juvenal, para que o povo se distraísse de suas miseráveis condições de vida. O grandioso Coliseu e outros anfiteatros espalhados por todo império atestam o poder e a grandeza de Roma, mas não sua energia artística.
Não há razões para crer que tais construções se destinavam a outra coisa que não espetáculos banais e degradantes.

As arenas, foram então totalmente ocupadas por gladiadores em combates mortais, por feras espicaçadas que lutavam até se fazerem em pedaços e cristãos cobertos de piche, usados como tochas humanas.

Não é de se admirar que tanto os escritores, como o público de outra índole passassem a considerar o teatro como manifestação indigna e aviltante.

O primeiro autor de comédias foi Lívio Andronico, de Tarento, seguido mais tarde por Plauto e Terêncio.

Na peça de ambos, Plauto e Terêncio, os problemas são sempre os mesmos: domésticos, eróticos e dinheiro. Criaram os “tipos cômicos” (o fanfarrão; o avarento; o criado astuto; o filho de família devasso; o oportunista- parasita; etc.)
A Comédia Romana dividiu-se em dois segmentos: Comédia Paliata e Comédia Togata.

Comédia Paliata: imitação da Comédia Nova.
Importante considerar que ambos os seus representantes imitaram ao pé da letra a Comédia Nova Grega de Menandro.

Dramaturgo romano (254 a.C.?- 148 a.C.?) Considerado o maior comediógrafo da Roma antiga. Nasce em Sarcina, Úmbria, e vai para Roma ainda jovem. Por muito tempo é conhecido apenas como Plautus, que quer dizer “pés chatos”, porém mais tarde se autodenomina Maccus (“palhaço”) Titus.

Com métrica elaborada e linguagem coloquial, sua obra reproduz com fidelidade a vida dos romanos da época. Os enredos farsescos são em geral baseados em casos de amor ou confusões decorrentes de troca de identidade, mas apresentam grande originalidade no tratamento dos temas.
Suas comédias inspiram dramaturgos pós-renascentistas. Molière toma “O vaso de ouro” como modelo para “O Avarento” e Shakespeare baseia-se em “Os Gêmeos” e “Anfitriões” para escrever “A Comédia de Erros”. Morre provavelmente em Roma.

Entre as vinte peças que sobreviveram até os dias atuais, destacam-se “O Vaso de Ouro”; “Os Gêmeos”; “Anfitriões”; “Aulularia”.

Trecho da peça Aulularia de Plauto:
(...)
“Euclião: Quem é que está falando aí?
Licônides: Sou eu, um infeliz.
Euclião: Infeliz sou eu, eu que estou miseravelmente perdido, esmagado por tantos males e desgostos.
Licônides: Não te preocupes!
Euclião: Por misericórdia, como poderia não preocupar-me?
Licônides: O mal que tanto te faz sofrer foi eu que cometi: eu o confesso!
Euclião: Que é que estás dizendo?
Licônides: A verdade.
Euclião: Que mal eu te fiz, moço, para fazeres isto comigo, para me pores a perder, a mim e aos meus?
Licônides: Foi um deus que me impeliu, ele que me atraiu para ela.
Euclião: Mas como?
Licônides: Confesso que errei; eu sei que sou culpado. Por isso, vim pedir-te perdão, que queiras conceder-me o teu perdão.
Euclião: Como ousaste fazer isto, apoderar-te do que não é teu?
Licônides: Que queres que eu faça? O que está feito, está feito. Impossível voltar atrás. Foi a vontade dos deuses, eu acho; se eles não o quisessem eu sei que isso não teria acontecido.
Euclião: Mas os deuses quiseram também, creio, que eu te enforque em minha casa.
Licônides: Não digas isso.
Euclião: Por que, sem minha ordem, tocaste nela, que é minha?
Licônides: Por causa do vício do vinho e do amor é que eu fiz isso.
Euclião: Homem descarado, ousares vir as mim dizer isso, sem vergonha! Se isso é direito, se te podes escusar disso, vamos roubar publicamente, em pleno dia, as jóias das senhoras. E depois, se nos apanharem, nós nos desculparemos dizendo que fizemos isso embriagados, por causa do amor. Coisa muito vil é o vinho e o amor, se ao ébrio e ao amante tudo é permitido fazer impunemente.”

Fragmento de uma peça de Terêncio:

Terêncio é muito menos cômico que Plauto. Pode traduzir-se como um moralista sério que prefere a representação das classes baixas da sociedade e suas diversões grosseiras.

Comédia Togata:
Tem por assunto algum acontecimento romano.
Não nos chegou nenhuma peça Togata completa.

A Mudança:

No tempo da perseguição aos cristãos, sob Nero e Domitianus, a fé cristã era ridicularizada, e os cristãos, eram uma das principais atrações e vítimas do Teatro Romano.

Quando o cristianismo triunfa sob o reinado de Constantino, e se torna a religião oficial do Império Romano, as apresentações teatrais são proibidas. Com o surgimento do cristianismo “que associava a atividade teatral aos feitos pagãos, além de condenar sua licenciosidade”, o teatro romano começou a decair. Em 586 a.C., com a invasão dos lombardos, desaparecem os últimos sinais.

Catacumbas: Locais de oração dos primeiros cristãos.

O cristianismo condenava o teatro romano, por ele ter sido a principal causa da morte dos cristãos, e por não admitir que os jogos teatrais custassem a vida de alguém. Com isso, o Teatro, praticamente desaparece por alguns séculos da história humana Ocidental e só retorna mais tarde com o Teatro Medieval.

Agradeço o auxílio de Marcelo Carvalho e Wellington Carbogim.

Teatro Grego (Comédia)

2008-10-07T06:52:00.000-07:00

Uma das formas básicas do teatro ocidental, a comédia, constitui-se como peças leves (ausência de emoções e sentimentos muito fortes) voltadas para assuntos não muito sérios. Suas personagens são deformados, exagerados o que constitui uma não identificação com a platéia. Tem sempre um final feliz e propõe-se a enfatizar a crítica e a correção através da deformação, do exagero dos defeitos humanos e do ridículo. Sua finalidade principal é a de provocar o riso e o divertimento.
A comédia aumenta o número do coro, mas diminui sua importância.
Sua estrutura é semelhante a da tragédia, com o acréscimo da Parábase (momento em que interrompida a cena, o coro sem máscara fala para a platéia algo que não tem nada a ver com a peça).

Tida como uma arte inferior, a comédia só pôde acontecer, graças a um momento de democracia no séc. V a.C., cuja liberdade de expressão para os homens livres (não se inclui mulheres, escravos e estrangeiros.), atingiu um nível nunca mais conquistado na história mundial.

A palavra comédia vem do grego komoidía. Sua origem etimológica é komos (procissão jocosa) e oidé (canto).
A palavra komos tem múltiplos sentidos no vocabulário grego. Todos no entanto remetem-se ao sentido de procissão. Havia dois tipos de procissão que tinham a designação komoi.
Um deles consistia-se numa espécie de cordão carnavalesco, na qual participavam os jovens.
Estes saíam às ruas da acrópole batendo de porta em porta, pedindo prendas e donativos.
Nestas komoi era hábito também expor à zombaria os cidadãos da polis.

Principais Características da Comédia:
•Obra teatral em versos;
•Caráter burlesco, leve e humorado;
•Envolve ações ordinárias, corrigidas por meio do ridículo;
•Possui importantes implicações filosóficas e morais;
•Personagens ilustres e gente comum das ruas (o povo em geral)
•Versa sobre instrumentos opressores da sociedade, sobre a burocracia, valorização do dinheiro...

Inspira o riso.

A Comédia Antiga:
A comédia antiga foi introduzida 50 anos após a tragédia, sua principal finalidade era a de criticar a política (tratava dos problemas da polis). Foi muito combatida pelos governantes e ocorreu em um momento onde a democracia ateniense a favorecia.
Com a queda de Atenas e de sua democracia acabou-se esse tipo de comédia.
Baseava-se em uma mistura de fantasia, crítica, obscenidade, paródia e insulto social, pessoal e principalmente político.

A Comédia Mediana ou Intermediária:
Trata-se na verdade de um enfraquecimento da sátira política pertencente a comédia antiga. Representa uma transição, podados e cansados da crítica política, os comediógrafos voltaram suas atenções às paródias míticas, sátiras e sistemas filosóficos, instabilidade de fortunas, assuntos gastronômicos, entre outros.
Desse período pouco nos chegou. Somente duas peças de Aristófanes escritas no término de sua vida. Esta fase possui curta duração. (404 a.C. a 336 a.C.)

A Comédia Nova:
Surgiu com a queda da democracia ateniense. Sua temática girava em torno de: problemas sentimentais de jovens casais, casamentos, intrigas, briga de vizinhos e de tipos e costumes que cercavam essas situações básicas.
Seus personagens oscilavam entre pessoas do povo (escravos, militares, cozinheiras,...) e nobres.
Características: vida privada, intimidade dos cidadãos, amor, prazeres da vida, intrigas sentimentais,...
Neste momento não se encontra a presença do coro. Ele foi extinto.
O maior representante deste tipo de comédia foi Menandro.

Principal representante da comédia antiga, escreveu cerca de 43 peças e somente 11 chegaram aos nossos dias.
Aristófanes possuía grande liberdade de expressão e, devido a isso, não poupou críticas a pessoas ilustres, governantes, instituições governamentais e nem mesmo aos deuses. Preocupou-se, acima de tudo em defender a paz (evitar conflitos) e advertir a população, sobretudo a rural, dos abusos urbanos. Criticou Sófocles e Eurípedes.

Suas obras: “Os Arcaneus” “Os Cavaleiros” “As Nuvens” “As Vespas” “A Paz” “Os Pássaros” “As Tesmoforias” “As Rãs” “Assembléia de Mulheres” “Pluto” “Lisístrata”

Principal autor da comédia nova grega, Menandro viveu sob condições políticas que já não permitiam sátiras a homens ou instituições.

As temáticas de Menandro estavam voltadas para viagens, heranças, nascimentos e amores clandestinos.
Seus personagens eram baseados em pessoas comuns das ruas: escravos, cozinheiros, médicos, filósofos, adivinhos, militares.
De suas 100 peças apenas 1 chegou completa aos nossos dias: “O Díscolo” ou “O Misantropo”.

Tragédia:
•Estilo nobre e elevado, que desperta, fatalidade, purgação, compaixão, piedade, terror.
•Herói: Rei, pessoas ilustres e com poder, etc.
•Fundamentava-se na temática mitológica.
•Júri composto por pessoas escolhidas pelo magistrado. Pessoas de famílias aristocráticas e que se destacavam na sociedade.

Comédia:

•Retratação de aspectos caricaturados ou fantásticos;
•Herói: Palhaço, bobo, inocente, santo, idiota, trapalhão, fingidor, etc.
•Não possuía nenhum padrão rígido de fundamentação mitológica. Elaborava críticas ao político, governantes e costumes da época.
•Júri composto por cinco pessoas da platéia escolhidas por sorteio.

Com o fortalecimento de Roma, a Grécia perde sua hegemonia, dando lugar ao maior império do Ocidente, mas sua influência, seu legado, e sua importância perduram até os nossos dias.

Agradeço o auxílio de Marcelo Carvalho e Wellington Carbogim.

Teatro Grego (Início e estrutura física)

2008-09-28T13:19:00.000-07:00

A palavra "teatro" deriva dos verbos gregos "ver, enxergar" (theastai). A representação de uma personagem, a imitação de outro ser, como disse Aristóteles, “é uma prerrogativa do próprio homem”.

Theatron: é o auditório propriamente dito.
Orchestra: local onde o coro cantava e dançava.
Eisodos: os dois acessos laterais para o coro entrar e sair de cena.
Skene: palco onde os atores atuavam.
Mechané: grua ou guindaste para elevar atores.

O tempo foi essencial para o amadurecimento das idéias dos homens. A contribuição de gênios possibilitou que o homem embarcasse nas filosofias, num processo de criação que não parou.

E assim, surgiu a história cronológica do teatro, que apresenta personalidades importantes para o crescimento dos conceitos e das filosofias humanas. Homens iluminados que se completaram, que juntos fizeram a história acontecer de forma fácil, veloz, onde e quando quiseram, mesmo com todas as barreiras impostas pelos homens estagnados e mesmo com todo o atraso da ciência e da tecnologia humana.

Situada no sul da Europa, ocupando uma península de relevo acidentado e um arquipélago no mar Egeu, a Grécia foi palco de uma civilização que se desenvolveu para além de seus limites geográficos. Sua história costuma ser dividida nos períodos Homérico, Arcaico, Clássico e Helenístico.

(O Mundo Helênico)

A partir do ano 2000 a.C., aqueus, jônios, eólios e dórios começaram a se estabelecer nas áreas que ficaram conhecidas como Grécia antiga. Conquistando populações já existentes nessas regiões (cretenses e micênicos, entre outros).Esses povos estão entre os principais formadores dos helenos (povo grego) – uma mescla de etnias e culturas que, ao longo do tempo, por intercâmbios socioculturais, foi adquirindo certa unidade.

Entre as características da religião grega podemos citar o politeísmo (o culto a vários deuses) e o antropomorfismo (forma e comportamento semelhante aos seres humanos). Além dos deuses, os gregos reverenciavam os heróis, os semideuses e os espíritos dos antepassados. Os cultos, eram conduzidos por um sacerdote e consistiam em orações e sacrifícios de animais. Os gregos também criaram um rico conjunto de mitos (mitologia).

Entre os séc. V e IV a. C., período clássico da história grega, viveram em Atenas artistas e intelectuais que se destacaram em diversos campos, como o teatro, a arquitetura, a escultura, a filosofia e a história. Todas essas expressões artísticas eram artes públicas, patrocinadas pela cidade- Estado para a comunidade. A arte estava presente na vida cotidiana das pessoas, encontrava-se nos templos, nos teatros, nos cemitérios...

O Teatro grego desenvolve-se na Grécia, no século VI a.C.; Nasce nas celebrações em honra ao deus Dionísio (Dioniso) para os gregos e Baco para os Romanos;

Dionísio deus do Vinho; Embriagues; Fertilidade; Plantação; Alegria; Sensualidade;

Agradeço o auxílio de Marcelo Carvalho e Wellington Carbogim.

Teatro Grego (Tragédia)

2008-09-28T12:58:00.000-07:00

TRÁGOS = bode + OIDÉ = Canto, ou seja, “Canto do Bode”; Uma grande obra teatral onde se encontram presentes personagens ilustres, heróicos, de caráter inestimável e grandioso; Ações constituídas de sentimentos de terror, piedade e situações funestas;

(Aristóteles)
Definição de Aristóteles para tragédia Grega: “...imitações de ações de caráter elevado, completa em si mesma, de certa extensão, em linguagem ornamentada e com várias espécies de ornamentos distribuídos pelas diversas partes do drama, imitação que se efetua, não por narrativa, mas mediante atores, e que, suscitando o terror e a piedade, tem por efeito a purificação (catarse) desses sentimentos”.

DITIRAMBO: hino de louvor a Dionísio;
SÁTIROS: pessoas vestidas com pernas de bode e, acima da cintura, com roupas de humano;(figura relacionada a Dionísio- embriaguez- alegria- sensualidade- fertilidade- plantação)
HYBRIS: é um sentimento de auto confiança exacerbado que leva o herói da tragédia a cometer uma falha muito grande (HAMARTIA) que resultaria em uma desgraça ou morte (ATE).

Os atores obrigatoriamente usavam máscaras, e figurinos muito coloridos e ricos contrastando com a vida cotidiana (Cabeleira postiça, túnicas, manto, máscara e, às vezes, barbas)

Tem por finalidade representar a sociedade e interferir nos conflitos como testemunha, confidente, espectador ideal, conselheiro, associado na dor, eco da sabedoria popular, juiz, entre outros. Representa o que é da ordem dos sentimentos e os atores se ocupam do desenvolvimento do que é temático.

Corifeu: Solista do coro, que se destaca e contracena com os atores.

Coreutas: São todos os outros membros do coro.

As mulheres não participavam das apresentações teatrais (não existiam atrizes). Os papéis femininos eram representados pelos homens, daí a necessidade maior ainda de máscaras.

No séc. V a.C., os festivais estavam inseridos nas festas em honra ao deus Dionísio e eram denominados Grandes Dionisíacas ou Dionisíacas Urbanas que se realizavam nos meses de março e abril de cada ano. Nestes festivais qualquer poeta podia concorrer apresentando uma tetralogia (trilogia trágica e um drama satírico).

Prólogo: Primeira cena antes da entrada do coro ou da primeira intervenção. Narrativa preliminar que introduz o tema. Pode ser solilóquio ou monólogo, ou cena com diálogo e ação. Ex: Édipo Rei.

Párodo: Existência de dois tipos: entrada do coro cantando e dançando na orquestra ou o coro já presente em silêncio.

Episódios ou Partes: Cenas de diálogo, ator-corifeu ou ator-ator, podendo ser figurante (pessoa que não fala).

Estásimos: Cantos e danças do coro na orquestra que separam os episódios, momento de profunda reflexão, onde o ator pode cantar ou dialogar com o coro. (Hipôrquema):quando o coro dança e canta com ênfase, geralmente antes da cena mais dramática.

Êxodo: Encerra o drama.

Catástrofe: Cenas de violência. Representa uma modificação brusca no destino das personagens (Sempre trágicas). Não ocorre no palco, às vistas do público, mas somente se conta (exceto em algumas peças de Eurípedes).
Cenas Patéticas: Cenas em que os personagens explicitam seus sofrimentos e dores.
Ágon ou Cenas de Enfrentamento: Cenas onde através de ações ou palavras os personagens se defrontam tragicamente no palco.

Anagnórisis ou cenas de reconhecimento: Passagem da ignorância para o reconhecimento. Cena em que a personagem descobre e toma consciência da verdade e da situação em que se encontra. Existem também cenas de reconhecimentos parciais.

Agradeço o auxílio de Marcelo Carvalho e Wellington Carbogim.

Teatro Grego (Os três grandes tragediógrafos)

2008-09-28T05:44:00.000-07:00

(Ésquilo)
O primeiro grande tragediógrafo que se tem notícia, e de quem se conservou textos.

Idéias Principais:
Fatalidade em função da vontade divina; Final triste; Presença de maldições; Predestinação dos deuses; Exploração de lendas tebanas e antigas; Inferioridade da força frente ao espírito; Personagens como meros agentes de sentenças ditadas pelos deuses; (Venceu mais de doze vezes os concursos).

Inovações:
Introdução do segundo ator, dando início ao diálogo (Deuteragonista); Máscaras mais expressivas; Indumentárias longas com mangas; Criação do primeiro cenário do teatro grego; Invenção de guindastes; Introdução do coturno (calçado com salto enorme para engrandecer os atores- dar uma idéia de “sobre-humanos”); Redução e diminuição da importância do coro.

Curiosidades:
Escrevia peças em forma de trilogia(três peças com dependência temática); Autor de: “Prometeu Acorrentado”, “As Suplicantes”, “Sete Contra Tebas”, “Os Persas”, e a trilogia “Oréstia”, que é considerada uma das principais obras da criação humana, composta pelas peças “Agamênon”, “Coéforas” e “Eumênides”. Ésquilo interpretou as próprias personagens, além de dirigir seus próprios espetáculos.

Fragmento do Texto de Prometeu Acorrentado:
Prometeu: - Chocando-se com essa desgraça, ele aprenderá a diferença que existe entre comandar e servir.

Coro: - Penso que são teus próprios desejos que transformas em predições contra Júpiter. Prometeu: - Eu digo o que vai acontecer e também o que eu desejo.

Coro: - Então podemos esperar ver Júpiter obedecer a um mestre?

Prometeu: - Sim, e a suportar fardos ainda mais pesados que esse.
Coro: - Como tens ousadia bastante para falar tais coisas?

Prometeu: - Que devo temer se meu destino é não morrer jamais?

(Prometeu Acorrentado)

Características:
Ésquilo tinha uma voz forte e era uma pessoa áspera e violenta; Escreveu cerca de 79 a 90 peças teatrais, mas somente 7 chegaram completas aos nossos dias; Viveu entre 525 a.C. e 456 a.C.; É considerado o pai da tragédia, justamente por ter institucionalizado e idealizado as características da tragédia grega.

(Oréstia, 1956)

(Sófocles)
Considerado o maior poeta trágico dos gregos, acredita-se que Sófocles viveu aproximadamente entre 496 e 406 a.C.

Idéias Fundamentais:
Intervenção divina; Personagens imbuídas de livre-arbítrio; Identificação das personagens com os seres humanos; Acaba com o uso do coturno, substituindo-o pelos crépis; Primava a aproximação da realidade; Ação dos deuses sobre os homens, injustas, punitivas e autoritárias;

Curiosidades:
Acabou com a trilogia; Acrescentou o terceiro ator: tritagonista; Contemporâneo de Ésquilo; Autor de 120 peças, onde apenas 7 sobreviveram até os dias atuais; 20 vezes vencedor dos concursos teatrais.

Obra:
Édipo Rei: Édipo acreditando ser filho do rei de Corinto, mata o próprio pai, o rei de Tebas e casa-se com a própria mãe. Quando descobre, fica cego por vontade própria.

(Édipo Rei)

Outras obras:
"Antígona"; "Electra"; "As Traquínias"; "Ájax"; "Édipo em Colono"; "Filoctetes".

(Eurípenes)
Considerado por Aristóteles como o mais trágico dos tragediógrafos, Eurípedes, que viveu entre 480 e 405 a.C. coloca um perfil mais denso em seus personagens.

Idéias Fundamentais:
Personagens mais densos psicologicamente; Crítica aos deuses e mitos; Cria o prólogo; Grande diminuição das funções do coro; Coloca pela primeira vez a tragédia refletindo as crises do tempo; Escreve sobre as paixões humanas: amor, ciúme... Coloca em cena algumas catástrofes;

Inovações:
Introduziu várias inovações na tragédia grega clássica (personagens do povo em papéis importantes, princípio de análise psicológica, abordagem de questões filosóficas), mas em seu tempo não foi muito compreendido. Segundo Sófocles, Eurípedes mostrava as pessoas como elas eram, não como deveriam ser.
Suas tragédias raras vezes tiveram a recepção merecida. Aristófanes e outros cômicos tinham nele sua vítima preferida.
Foi traído pela esposa, seus amigos foram exilados e depois o próprio Eurípedes teve que deixar Atenas.
Refugiado na Macedônia, morreu em um acidente onde fora atacado pelos cães do rei.
Foi dramaturgo de uma religião em crise e de uma sociedade em decadência,depois de Eurípedes não apareceu nenhum tragediógrafo de respaldo.

Obra:
Autor de: “Medéia” , “Hipólito”, “Electra”, “As Bacantes”, “As Fenícias”, “Hécuba”, “Ifigênia em Áulis”, “Andrômaca”, “Orestes”, “Íon”, “As Suplicantes”, “O Ciclope”, “Ifigênia em Tauris”, “Heraclés”, “As Troianas”, “Helena”, “Alceste-Orestes”.

(Medéia)

Agradeço o auxílio de Marcelo Carvalho e Wellington Carbogim.